âBeing in a placeâ heiĂt ein Film des KĂŒnstlers Luke Fowler, der auf der diesjĂ€hrigen Berlinale gezeigt wurde. Und tatsĂ€chlich scheint die RealitĂ€t, scheinen die realen Geschehnisse vor Ort sich stĂ€rker als in den Vorjahren auf der Leinwand zu manifestieren. Es wurde konkreter statt versponnener, auch in den Formen: Der russische Angriffskrieg in der Ukraine war ebenso deutlich spĂŒrbar wie die AufstĂ€nde in Iran und an anderen Orten der Welt. Viele der besten Filme gab es dabei traditionell gerade nicht im Wettbewerb, sondern in Sektionen wie dem Forum zu sehen. Was ihre Chance, einmal im Kino oder zunehmend auch beim Streamingdienst des Vertrauens zu landen, hoffentlich nicht schmĂ€lert.
âBlackBerry" von Matt Johnson
Kanada, irgendwann in den 1990er-Jahren. Eine Handvoll Technik-Geeks erfindet ein GerĂ€t, das Mobiltelefon, E-Mail und Internet zusammenbringt. âWer sollte so etwas wollen?â, brummt der potenzielle Investor, dem Mike Lazaridis (Jay Baruchel) und Douglas Fregin (Matt Johnson) unbeholfen versuchen, die eigene Idee zu verkaufen. Wenige Jahre spĂ€ter wird ihr Unternehmen Millionen wert sein und etliche Nachahmer*innen auf den Plan rufen. Geschichten vom rasanten Auf- und ebenso raschen Wiederabstieg sieht man regelmĂ€Ăig auf der Kinoleinwand, aber kaum so bestechend in Form und Spiel ĂŒbersetzt wie in âBlackBerryâ. Der kanadische Filmemacher Matt Johnson, der sich in seinen Mockumentaries auch gern selbst zum Vorreiter des Albernen macht, findet eigene Blickachsen auf das vielerzĂ€hlte Sujet. Mit rasantem Schnitt, ungewöhnlicher Kamerawahl und einer Besetzung, die nahezu ausschlieĂlich auf Comedians und befreundete Laien setzt, kristallisiert dieser Film die Grundfesten des Kapitalismus, der befeuert und zerstört, was er liebt, ebenso zum Greifen nah heraus wie die Geschichte der technischen Mittel, in denen er sich manifestiert.
âSuperpower" von Sean Penn & Aaron Kaufman
Gleich mehrere Filme in diesem Jahr zeugen direkt vom russischen Angriffskrieg und dessen Auswirkungen auf die Ukraine. Schon ab 2021 besuchte Sean Penn mit Aaron Kaufman regelmĂ€Ăig das osteuropĂ€ische Land, um mehr ĂŒber seinen PrĂ€sidenten Wolodymyr Selenskyj zu erfahren. Auch am 24. Februar 2022 drehen die beiden gerade in Kiew, als die ersten Explosionen die Stadt erschĂŒttern. Mit âSuperpowerâ erscheint nun ihr bisweilen etwas reiĂerischer Reportage-Film im Vice Magazine-Stil, der trotz all seiner offensichtlichen SchwĂ€chen ein zeithistorisches Dokument darstellt, das das kaum Vorstellbare festhĂ€lt: ein Interview Sean Penns mit Selenskyj in der Nacht der russischen Invasion.
Sean Penn und Aaron Kaufman: Superpower, Filmstill (c) 2022. The People's Servant, LLC. All Rights Reserved, Image via berlinale.de
âW Ukrainie" von Piotr Pawlus & Tomasz Wolski
Filmisch wie auch emotional aber deutlich nachdrĂŒcklicher sind die ukrainischen beziehungsweise polnischen BeitrĂ€ge: âW Ukrainieâ tritt die Reise vom Westen des Landes in Richtung Osten an. Kommentarlos fangen die Filmemacher Szenen eines neuen Alltags in der Ukraine ein: Ausgebrannte russische Panzer, die von vorbeifahrenden Passant*innen fotografiert werden, als gehöre der Krieg schon der Vergangenheit an. Ausgebombte Dörfer, kaputte Autobahnen. Menschen bei der Essensausgabe, schlafende Passant*innen in U-Bahn-Stationen, umherstreunende Hunde, die von ihren Besitzer*innen vielleicht zurĂŒckgelassen werden mussten, notdĂŒrftige Reparaturen an WohnhĂ€usern. Und schlieĂlich Soldaten*innen unweit der Frontlinie, wartend, nur unweit entfernt von heftigen Detonationen.
âShidniy front" von Vitaly Mansky & Yevhen Titarenko
In âShidniy Frontâ, der östlichen Front, fĂŒhren die Bilder, die Yevhen Titarenko tagtĂ€glich dreht, noch tiefer in den Abgrund alltĂ€glicher Grausamkeit. Schon seit 2014 arbeitet der Filmemacher bei einem freiwilligen SanitĂ€tsbataillon, das verwundete Soldaten*innen aus dem Kampfeinsatz zu retten versucht. Die Tausenden von Stunden an Videomaterial, die er seit dem letzten Februar dabei aufgenommen hat, schnitt er zusammen mit dem russisch-ukrainischen Dokumentarfilmer Vitaly Mansky zu der bestĂŒrzenden Momentaufnahme eines Landes im Verteidigungskriegs. Der Film zeigt Yevhen mit Freund*innen und Familie in freien, fast sorglos wirkenden Stunden, in denen alle ausgelassen SpaĂ haben. In ausgesprochen reflektierten GesprĂ€chen ist der Krieg jedoch allgegenwĂ€rtig, dessen Auswirkungen man dann in den kaum ertrĂ€glichen Aufnahmen aus dem Frontgeschehen selbst zu sehen bekommt. Einblicke in die ukrainische LebensrealitĂ€t 2022, die nach wie vor andauert.
âJaii keh khoda nist" von Mehran Tamadon
Lassen sich erlebte Traumata vermitteln? Dieser Frage geht Mehran Tamadon in seinem dokumentarischen Film nach. Wo Gott sich nicht befindet, so der englische Untertitel, erfahren wir gleich zu Beginn: In einer leeren Lagerhalle am Rande von Paris baut Tamadon mit Hilfe von drei ehemaligen Insass*innen iranischer GefĂ€ngnisse deren Zellen und jene Instrumente nach, mit denen die dort Weggesperrten gefoltert wurden. Es ist kaum zu ertragen, mit anzusehen, wie die Opfer des iranischen Regimes mitunter in die Rolle ihrer einstigen TĂ€ter*innen schlĂŒpfen, um das Erlebte ihrem GegenĂŒber und sich selbst begreiflich zu machen; wie nie vollstĂ€ndig verdrĂ€ngte Erinnerungen wieder hochkommen und das Leid sich auch physisch wieder Bahn bricht. Die Traumata, das sieht man den drei fĂŒrs Leben Gebrandmarkten an, lassen sich kaum vermitteln, aber in den Gesichtern erahnen. Das GefĂ€ngnis wirkt derweil wie eine lebenslange Strafe fort, die auch nach der Haft niemand so recht loswird.
âReality" von Tina Satter
Schon seit jeher hadert das Kino mit der Frage: Wie eine wahre Begebenheit nacherzĂ€hlen, und warum ĂŒberhaupt? Den jeweiligen Ergebnissen sieht man in zuverlĂ€ssiger RegelmĂ€Ăigkeit so dann auch ihre Ratlosigkeit an, hin- und hergerissen zwischen aufklĂ€rerischem oder dokumentarischem BedĂŒrfnis und Unterhaltungswillen. In ihrem SpielfilmdebĂŒt umgeht die Theaterregisseurin Tina Satter gekonnt die Fallstricke eines solchen Unterfangens. VordergrĂŒndig inszeniert der Film das Verhör der Whistleblowerin Reality Winner durch das FBI in ihrem eigenen Zuhause. Das Skript basiert jedoch Wort fĂŒr Wort auf den Tonaufnahmen des Verhörs â die Darsteller*innen performen dieses im wahrsten Sinne als Reenactment. Der gruselige Schauer des AlltĂ€glichen, der sich in Versprechern, grammatikalischen Ungereimtheiten und erzwungenem Smalltalk langsam ausbreitet, macht den Film zu einer ebenso brillanten Meta-Studie ĂŒber Schauspielerei wie zu einer eindringlichen Inszenierung jener staatlichen Gewalt, die, einmal auf ein Individuum angesetzt, unaufhaltsam ihre Macht entfaltet. Ein kafkaesker Albtraum.
âSur lâAdamant" von Nicolas Philibert
Der Goldene BĂ€r ging in diesem Jahr nicht an einen Spielfilm, sondern wĂŒrdigte eine Dokumentation. In âSur lâAdamantâ begleitet Nicolas Philibert den Alltag auf dem gleichnamigen Hausboot in Paris: eine auĂergewöhnliche psychiatrische Tagesklinik, deren Patient*innen hier weitestgehend selbstbestimmt musizieren, malen, zeichnen oder Texte verfassen können. Als Zuschauer*in folgt man nicht nur den auĂergewöhnlichen, tiefsinnigen, urkomischen, bisweilen auch beĂ€ngstigenden GedankengĂ€ngen der Protagonistinnen und Protagonisten, sondern staunt ĂŒber die nie zuvor gehörten Kompositionen und Texte, die nie gesehenen Bilder, die sie auf der Adamant kreieren. Zur romantischen VerklĂ€rung, wie sie auch bei der Berlinale-Jury anklang, taugt diese Dokumentation allerdings gar nicht so sehr. Gerade weil Philibert den Patient*innen der ungewöhnlichen Tagesklinik auf Augenhöhe begegnet, weiĂ er (wenngleich zaghaft) auch von ihren tagtĂ€glichen Qualen und dem Hadern mit der eigenen Erkrankung zu berichten. Es sei dumm, auf Medikamente zu verzichten, erklĂ€rt da zum Beispiel einer. Allein mit Kunst und Poesie ist es offenbar nicht getan â doch dass sie helfen, bleibt in diesem Film unbestreitbar.
âArt College 1994" von Liu Yiang
âFuck Duchamp!â Mag die westliche Kunstgeschichte auch erst seit kurzer Zeit ins Land strömen, tut sie es in China mit Macht. So haben sich die Protagonist*innen in diesem Film schon rasch eine dezidierte Meinung zu ihren AuswĂŒchsen gebildet: Konzeptkunst, Tracey Emin, abstrakte Malerei und Beuys, Kunst, die sich bei AuslĂ€nder*innen gut verkauft und traditionelle chinesische Kunst, die das Atelier im Gegensatz zur westlichen Variante immerhin nicht âwie eine MĂŒllhaldeâ ausschauen lĂ€sst. Mit seinem lakonischen Animationsfilm âArt College 1994â erzĂ€hlt Liu Yiang die Ăffnung seines Landes exemplarisch durch eine Gruppe lose befreundeter Kunststudent*innen, die ohne falsche Illusionen, aber mit staubtrockenem Humor und dem nötigen GröĂenwahn einer jungen Kunstgeneration, universitĂ€re Ideologie-Seminare, Kunstmarkt und die ganz groĂen Fragen des Daseins diskutieren. âArt College 1994â ist, wie nicht wenige chinesische Filme dieser Tage, ein retrospektiver Blick auf die Ereignisse â an einem Ort, dessen Zeichen aktuell eher wieder auf Abschottung stehen. Eine filmgewordene 90er-Jahre-Nostalgia aus chinesischer Perspektive, die nebenbei erstaunlich universell vom Dasein an der Kunstakademie erzĂ€hlt.
âBeing in a Place. A Portrait of Margaret Tait" von Luke Fowler
âI am not a camera personâ, bemerkt Margaret Tait, die Schriftstellerin und Filmemacherin, an einer Stelle in dem Film, den der britische KĂŒnstler Luke Fowler als titelgebendes PortrĂ€t der KĂŒnstlerin anfertigte. Die Kamera, ihre Technik sind ihr nicht Mittel zum Zweck, das wie ein neutrales Instrument virtuos beherrscht werden mĂŒsste, um Botschaften, Kommentare, festgeschriebene Stories in ein Ad hoc festgeschriebenes Format zu bringen. Vielmehr ist es die Arbeit mit der 16mm-Kamera vor Ort selbst, das Festhalten ihrer Lebensumgebung, der schottischen Insel Orkney, ihrer Menschen und Landschaften, die Tait (1918â1999) interessierten. Filmische poems eben, wie die KĂŒnstlerin ihre eigenen Werke nannte. Dass es dafĂŒr auch im öffentlich-rechtlichen Rundfunk schon seinerzeit wenig Interesse gab, belegt ein entwaffnend ehrlicher Briefwechsel zwischen Margaret Tait und einem Produzenten der BBC aus dem Jahr 1971. Fowler hat Dokumente wie dieses, Drehnotizen und filmisches Archivmaterial zusammengetragen und durch neu gedrehte Sequenzen auf der Insel Orkney zu einer kinematischen Collage ergĂ€nzt, die eine Hommage und zugleich den Versuch einer FortfĂŒhrung von Taits kĂŒnstlerischem SelbstverstĂ€ndnis darstellt.
âThe Adults" von Dustin Guy Defa
Eigentlich war der kurze Trip in dieHeimatstadt fĂŒr Eric (Michael Cera) lediglich ein Pflichtbesuch: schnell das Neugeborene von alten Freund*innen sehen, dann fĂŒr ein paar Stunden bei den jĂŒngeren Schwestern vorbeischauen und im besten Fall noch ein Pokerspiel unterbringen. Doch Eric verlĂ€ngert den Aufenthalt immer wieder um einen Tag: ist es das verlorene Pokerspiel, dem einzigen, was Eric noch Halt im Leben zu geben scheint, oder das zerrĂŒttete VerhĂ€ltnis zu seinen Schwestern Rachel (Hannah Gross) und Maggie (Sophia Lillis)? Dustin Guy Defa gesteht in seinem tragikomischen Indie-Film den Protagonist*innen so viel psychologische Tiefe zu, dass diese sich gerade deshalb in ihrer verunsicherten Sprachlosigkeit zu ebenso komplexen wie vulnerablen Charakteren entwickeln, mittels derer âThe Adultsâ zu einer emotionalen Achterbahnfahrt wird, die auf die eine oder andere Weise jede*r aus seinem ganz eigenen Leben kennt.
âKnochen und Namen" von Fabian Stumm
Schon lĂ€nger sind der Schauspieler Fabian (Fabian Stumm) und der Schriftsteller Jonathan (Knut Berger) ein Paar. Der eine beginnt gerade die Drehproben zu einem ambitionierten Film ĂŒber eine schmerzhafte Trennung, der andere recherchiert zu seinem neuen Roman, der sich mit Tod und Abschied auseinandersetzt. Unterschwellig scheinen die kreativen BeschĂ€ftigungsfelder jedoch immer weiter in die Beziehung hinĂŒberzuschwappen, oder ist es genau umgekehrt? Fabian Stumm, der in seinem SpielfilmdebĂŒt neben der Regie auch die Hauptrolle ĂŒbernahm, gelingt eine Beziehungskomödie, die man in hiesigen Gefilden kaum zu sehen bekommt: gewitzte, intelligente Dialoge und eine Inszenierung, die weder Albernheiten, Dramatik noch Tiefgang scheut und dabei beilĂ€ufig auch die eigene Zunft reflektiert.Â
 âPast Livesâ von Celine Song
In ihrem DebĂŒtfilm âPast Livesâ erzĂ€hlt die New Yorker Dramatikerin Celine Song kĂŒnstlerisch verfremdet ihre eigene Geschichte. Es ist die Geschichte einer koreanischen Familie, die in den USA ein besseres Leben sucht und deren Kinder als Erwachsene zunehmend mit IdentitĂ€tsfragen hadern â so wie Nora (Greta Lee), die mit Arthur (John Magaro) zusammenlebt, aber immer noch an ihren koreanischen Schulfreund Hae Sung (Teo Yoo) denken muss. WĂ€hrend der erste Teil charmant, aber eher konventionell erzĂ€hlt wird (und es mit fröhlicher RomCom-Musik beinahe ein wenig ĂŒbertreibt), entwickelt Celine Songs DebĂŒtfilm gerade in seiner zweiten HĂ€lfte einen unwiderstehlichen Sog. Eine asiatisch-amerikanische Migrationsgeschichte, die ihre kluge Geschichte ganz aus den hervorragend besetzten Protagonist*innen entwickelt und es gerade deshalb schafft, von hier ausgehend die existenziellen Dilemmata der menschlichen Existenz zu verhandeln: ZĂ€hlt die Vergangenheit mehr als die Gegenwart? Wer wĂ€re man selbst an einem anderen Ort geworden? Und wie mit den Geistern der Vergangenheit umgehen, wenn sie in Form leibhaftiger Menschen vor einem stehen?
âMammalia" von Sebastian MihÄilescu
Ein Zirkel weiĂgekleideter Frauen und MĂ€nner, die Fruchtbarkeitsrituale in einem Waldsee durchfĂŒhren; eine junge Frau, der ein Armknochen die Treppe hinabfĂ€llt und ein seltsames Wohnhaus, bei dem man nicht weiĂ, ob der Horror real ist oder zum Filmdreh gehört â waren Szenarien wie aus einer anderen Welt auf dieser Berlinale seltener vertreten, konnte man bei Sebastian MihÄilescu in die Untiefen filmischer Seltsamkeiten eintauchen, die freilich ganz ohne Tricks und doppelten Boden auskamen. Der junge Regisseur fĂŒhrt die Tradition osteuropĂ€ischer Surrealismen weiter und agiert dabei ganz in der eigenen Logik. WorĂŒber man nicht sprechen kann, darĂŒber muss man also Filme machen. Am Ende einer grotesken Tour de Force vor idyllischer rumĂ€nischer Landschaft ist der Mann schwanger und der Penis- findet sein Pendant im GebĂ€rneid.
âAllensworthâ von James Benning
Mit âAllensworthâ war auch dieses Jahr wieder ein Film des amerikanischen Filmemachers James Benning zu sehen. Der Film fĂŒgt sich formal beinah nahtlos in die vergangenen Arbeiten des Minimalisten: zwölf mal fĂŒnf Minuten zeigt Benning statische Aufnahmen aus dem amerikanischen Allensworth, die jeweils einem Kalendermonat zugeordnet werden. 1908 wurde die Stadt als erste von Afroamerikaner*innen verwaltete Gemeinde Kaliforniens gegrĂŒndet; mittlerweile sind die noch vorhandenen Bauten Teil einer historischen Parks. Die besondere Geschichte von Allensworth erlĂ€utert Benning in seinem Werk nicht, bricht jedoch fĂŒr eine Einstellung aus der strengen Komposition aus, die sonst ausschlieĂlich die von der Zeit angenagten HolzhĂ€user der Gemeinde zeigt, die immer tiefer ins Bewusstsein der Zuschauer*innen eindringen. In einem leeren Klassenzimmer rezitiert dann plötzlich eine junge SchĂŒlerin ein Gedicht der afroamerikanischen Lyrikerin Lucille Clifton, wĂ€hrend an anderer Stelle Nina Simone mit dem Lied âBlackbirdâ erklingt: â'cause your mama's name was lonely and your daddy's name was painâ. Politisch-poetische Reflexion Ă la Benning.
