Gefangen in der Zeit

Dana Kopel: Kannst du uns etwas über deine Performance in der SCHIRN erzählen?  

Ryan McNamara: Als ich fragte, wie viele Besucher die SCHIRN erwarten würde, um das Tempo anpassen zu können, sagte man mir schätzungsweise 15.000. Das ist irgendwie verrückt. Die zweiläufige Treppe des Raumes fand ich besonders interessant, sie hat nichts Grandioses oder so, aber ihr Design ist offenbar sorgfältig durchdacht. Einfach schön anzusehen. Wir entschieden uns für eine Art Trompe l’oeil, eine geisterhafte Videoprojektion der Darsteller in den Fenstern. Es ist eigentlich ein sehr einfaches Stück. Da sind die Tänzer – einige von ihnen sind virtuell – auf dieser vertikalen Ebene, die eine Choreografie zu einem Beat aufführen und sich dabei im Gleichklang aber nicht synchron bewegen. Sie bleiben an bestimmten Orten, sie bewegen sich zwar, verlassen ihre Position jedoch nicht. Ich tanze die Treppe hinunter und falle dabei immer wieder hin. Sobald ich am Fuß der Treppe angekommen bin, heben mich zwei Tänzer auf und bringen mich wieder nach oben, während die Zeit für mich gewissermaßen still steht. Ausgangspunkt war die Überlegung, wie ich aus der Performance eine Endlosschleife machen könnte.

Und welche Idee liegt dem Stück zugrunde bzw. welche Anregungen und welches Material hast du einfließen lassen?

Die Idee entspringt dem Moment des Versagens und welche Erscheinungsformen dieser Moment online annimmt. Was zunächst nur ein einmaliger Unfall war, wird in einem Gif in einer Endlosschleife wiederholt. Auf diesem Moment des Fallens oder Stolperns beruht die Performance. Es geht um unser Interesse an realen Ereignissen wie "Oh, ich glaube das war nur vorgetäuscht, der ist nicht wirklich gefallen". Es ist doch eigenartig, dass das für uns eine solche Rolle spielt, schließlich kennen wir die Leute in den Videos ja gar nicht. Es ist erstaunlich, dass in einer Zeit, in der ohnehin alles medial vermittelt ist, ein Fake immer noch solche Skepsis auslöst, als würde dadurch etwas verloren gehen. Aber obwohl das Stück auf seine eigene Art medialisiert wird, bleibt die Aufregung darüber bestehen es live anzuschauen. Irgendwie hofft man, dass etwas schief geht oder passiert was nicht Teil des Drehbuchs war. Diesen Moment teilen wir alle miteinander.  

Wie wirkt sich dein künstlerischer Hintergrund auf die Gestaltung deiner tänzerischen Performances aus?   

Ich habe Kunst studiert, mich dabei aber nie speziell mit Performance befasst. Wenn man sich während des Studiums bereits mit so einem Thema beschäftigt, hat man gewisse vorgefasste Vorstellungen wie eine Arbeit beschaffen sein sollte. Als bildender Künstler würde ich bestimmte Dinge immer vermeiden, weil sie passé oder nicht ernst genommen werden. Da ich aber nur ein begeisterter Fan der Performance bin, bin ich eher unbelastet vom theoretischen Hintergrund der darstellenden Kunst. 

Das klingt irgendwie befreiend. Betrachtest du diesen Umstand als eine Form von Deskilling? 

Ich möchte die Kunstfertigkeit der anderen Bereiche der darstellenden Kunst in die Performance einfließen lassen, so dass die Tänzer eine optimale Wirkung entfalten und ihre Fähigkeiten ausschöpfen können. Deskilling kann auch eine lustige Seite haben, denn einer der Tänzer, der zuvor mit der Merce Cunningham Dance Company aufgetreten ist, sagte einmal zu mir „Das wird mir keiner glauben, aber die Choreografie deiner Stücke ist extrem getaktet und präzise. Das habe ich so nicht mehr erlebt seit ich in der Cunningham Company getanzt habe.” Es ist durchaus verlockend sich auf jedes Detail zu stürzen und ich verstehe warum sich manche Choreografen beispielsweise über einen Monat mit der Bewegung eines Armes beschäftigen können. Aber ich versuche diesem Drang nicht nachzugeben, denn mir geht es eigentlich um das große Ganze, um das Stück insgesamt, nicht nur die eine Armbewegung.