Garten der Irdischen Freuden in Berlin

Sie lotet die Grenzen des Körpers und der Natur aus, hinterfragt das Anthropozän und fordert immer wieder die Sinnesorgane ihrer Besucher heraus. Doch Cixous schreibt auch über die Diskriminierung, die sie aufgrund ihres jüdischen Hintergrunds im von ihr beschriebenen Garten erfahren hat und die darauffolgende Entscheidung ihn zu verlassen. Dass manche innerhalb, andere außerhalb bestimmter gesellschaftlicher Räume stehen, ist ein weiteres Motiv, das sich durch die Ausstellung zieht, so Rosenthal.

„Wir verstehen den Garten als das Abgegrenzte, als das, wo Natur und Kultur zusammenkommen.“ Das exponierteste Beispiel für dieses Zusammentreffen ist „Der Garten der Lüste“ von Hieronymus Bosch aus dem späten 15. Jahrhundert, ein Triptychon, auf das auch der Ausstellungstitel zurückgeht. Das Bild ist das Herzstück der Ausstellung und verleiht der ansonsten sehr zeitgenössischen Werkauswahl einen kunsthistorischen Subtext. Die von Bosch gezeigte Landschaft bildet die harmonische Mitte zwischen zwei Darstellungen von Himmel und Hölle im Kontext des Sündenfalls. 

Unter den fast 20 Künstlerinnen und Künstlern, die sich dem Thema widmen, ist auch die Choreografin und Tänzerin Isabel Lewis, bekannt für ihre Gatherings, in denen sie diverse Kunstdisziplinen und Sinneseindrücke miteinander verschmelzen lässt. Am kommenden Eröffnungswochenende (Two Days of Earthly Delights) präsentiert Lewis eine eigens konzipierte Choreografie, „Sensorial Strolls“, die Boschs Triptychon performativ ergänzt und den nicht ausgestellten Innenflügeln seines Werks eine sogenannte „geisterhafte Präsenz“ verleiht. Musikalisch begleitet von einer Gruppe namens LABOUR werden Besucher von Lewis durch die Räume geführt, um ihre Sinne zu schärfen und die darauffolgende Rezeption der Bosch’schen Mitteltafel vorzubereiten.

Boschs Triptychon ließe sich aus heutiger Sicht auch als Warnung vor einer gefährdeten Umwelt oder gar einer Klimakatastrophe lesen. Dass das Gartenmotiv in der Kunst aber nicht nur als moralische Mahnung dient, sondern durchaus auch futuristische Möglichkeitsräume zwischen Natur und Kultur aufzeigen kann, verdeutlichen Hicham Berradas Arbeiten eindrücklich: Es sind meist künstlich erzeugte Formenwelten, wie animalische Rückstände einer noch bevorstehenden Katastrophe, korallenartige Gebilde in wucherndem Ocker und phallischem Silikon, wie einer Zwischenzone von Leben und Jenseits entsprungen.

Rashid Johnson mag in der Konzeption von „Antoine‘s Organ“ eine ähnliche Vorstellung im Sinn gehabt haben: der Garten als kontemplativer Sehnsuchtsort, als Wunschbild der Welt. Seine Arbeit wird sehr präsent im Lichthof des Gropius Baus installiert und zeigt eine collagenartige Skulptur, als organisches Zusammenspiel: ein schwarzes Stahlgerüst, in dessen Zwischenräumen Topfpflanzen, LED-Leuchten und diverse andere Objekte wie kleine Monitore und Musikverstärker aufgebaut stehen.

Bald­wins Perfor­mance unter­streicht die lebens­spen­dende Kraft der Musik

Johnson, der sich in seiner Kunst intensiv mit schwarzer Identität auseinandersetzt, hat auch diverse Bücher darin angeordnet: etwa „The End of Blackness“ von Debra J. Dickerson, das eine Welt nach dem Mythos weißer Vorherrschaft antizipiert, oder „Between the World and Me“, der berühmt gewordene Brief des US-amerikanischen Journalisten Ta-Nehisi Coates an seinen Sohn. Den Kern im Inneren der Skulptur bildet ein hinter Blättern verborgenes Klavier. Durch das Laub hindurch lässt der Pianist Antoine Baldwin Melodien nach außen dringen. Baldwins Performance, ebenfalls am Eröffnungswochenende zu hören, unterstreicht die lebensspendende Kraft der Musik.