Anthropologie und Philosophie beeinflussen die zwischen dokumentarischer Fiktion und Wahrheit oszillierenden Filme der in London lebenden Marine Hugonnier. Was gilt es zu sehen und was gilt es, dem Publikum vorzuenthalten? Mit diesen Fragen bewegt sich Hugonnier kritisch und selbstreflexiv im Sinne der Sichtbarmachung der Welt durch Film und auf den Spuren Godards oder des ethnografischen Filmemachers Jean Rouch. In ihrem letzten Film aus dem Jahr 2013, „Apicula Enigma“ (dt.: das Geheimnis der Biene), bezieht sie Stellung gegen die Instrumentalisierung von Tieren und die Vergleichbarkeit eines Bienenstaates mit der politischen Ordnung einer Gesellschaft. Dabei dekonstruiert sie die Mechanismen der Natur- und Tierdokumentationen und nähert sich anhand der technologischen Ressourcen des Kinos der tatsächlichen Ordnung eines Bienenstaates. Die in Frankreich geborene Marine Hugonnier stellte u. a. im britischen Gateshead, Seoul, Malmö und Bern aus.

Loretta Fahrenholz‘ vielbeachteter Film „Ditch Plains“ ist 2013 in enger Zusammenarbeit mit der New Yorker Performancegruppe Ringmaster Crew entstanden. Mit an ihrer Kleidung befestigten Leuchtstoffröhren bewegen sich Tänzer durchs dunkle, vom Wirbelsturm Sandy zerstörte New York, durch verlassene Hotelflure und bevölkerte Hotelzimmer. Die verzogenen Stimmen evozieren in Kombination mit den Bewegungen eine digital anmutende und abstrakte Bildsprache, die Gewaltszenen andeutet und den Eindruck erweckt als würde sich etwas Inneres heftig nach außen kehren. Im Gegensatz dazu werden die Dialoge in „Implosion“ (2011) geradezu nüchtern vorgetragen. Bild und Wort scheinen nicht zusammen zu passen. Fahrenholz‘ filmische Arbeiten verbindet eine surreale und zugleich hyperreale Bühnensituation, in der die Schauspieler ihre vorgegebenen Rollen demonstrativ ausführen. Ihre Arbeiten waren bisher u. a. in der Kunsthalle Lüneburg, im ludlow38 New York und in den KW Berlin zu sehen.

In der Juni-Ausgabe der Veranstaltungsreihe DOUBLE FEATURE präsentiert die SCHIRN wieder eine Filmpremiere: „Helianthus Coco“ (2015, ca. 15 Min.) der 1978 in Italien geborenen Künstlerin Hanna Hildebrand. Der Titel spielt auf die aus der Sonnenblume (Helianthus) gewonnenen Inhaltsstoffe an, die in der Seifen- und Lebensmittelproduktion verwendet werden. In Hildebrands Filmen entwickeln sich Alltagssituationen zu fabelgleichen Geschichten und so handelt ihr neuer Film nur vordergründig von den Ingredienzen für Kosmetika oder Lebensmittel, die wir tagtäglich nutzen. Stattdessen sieht der Betrachter etwa die jeweiligen Situationen und Orte, in denen beispielsweise die Seife zur Hand genommen wird.

„Ich beobachte meine Umwelt ganz genau und irgendwann sehe ich in ganz banalen, alltäglichen Dingen das Besondere", erklärt Hildebrand ihre Arbeitsweise. Ähnlich wie in einem Rollenspiel fungieren die Protagonisten als das künstlerische Material, mit dem Hildebrand Gegebenheiten und Momente schafft, um die Schichten des menschlichen oder sozialen Verhaltens freizulegen. Im Anschluss zeigt Hildebrand ihren Lieblingsfilm „Ace in the Hole“ (1951, 111 Min.) des amerikanischen Regisseurs Billy Wilder. Erzählt wird die Geschichte des erfolglosen Reporters Charles Tatum. Skrupellos nutzt er sämtliche Möglichkeiten, um aus einem tragischen Unglück eine große Story zu machen und so seine vermeintlich letzte Chance zu ergreifen, doch noch ein angesehener Vertreter seiner Branche zu werden. Auf geradezu zynische Art und Weise rechnet Wilder hier mit den perfiden Praktiken der Boulevardpresse ab. Hanna Hildebrand, die in Frankfurt an der Städelschule studierte und dort Meisterschülerin von Tobias Rehberger war, gewann 2013 den Swiss Art Award. Nach Aufenthalten in Mexiko und Seoul lebt sie derzeit in Berlin.

Der junge US-Amerikaner Riley Harmon (*1987 in Oklahoma) greift mit seinen filmischen Arbeiten Fragen nach der eigenen Identität und Identifikation, nach Realität und Simulation auf. Er nimmt für seine Videoarbeiten unter anderem Bezug auf Hollywood-Filme, die er bearbeitet und verändert oder knüpft an Arbeiten anderer Künstler an. So nutzt Riley beispielsweise für „Quad“ (2011) die Performance „Quad“ (Quadrat) von Samuel Beckett, deren Choreografie er adaptiert und mit selbst designtem Sound versieht. Für sein Projekt „Passengers“ (2010 bis heute) ersetzt er etwa in Autofahr-Szenen aus Hollywood-Filmen einen der eigentlichen Protagonisten durch sich selbst. Er wird zum schweigenden Gegenpart seines vermeintlichen Gegenübers.

Dieses Spiel aus Realität, Fiktion und filmischer Montage beherrscht viele von Rileys Arbeiten, so auch seine jüngste Produktion „A Method for Blue Logic“ (2014, ca. 15 Min.), die er in der Schirn zeigen wird. Darin verschwimmen die Grenzen zwischen Dreharbeiten und Film, zwischen Schauspielern, Performern und realen Charakteren, zwischen Schein und Wirklichkeit. Nach einem Gespräch zwischen Kurator Matthias Ulrich und dem Künstler wird dessen Lieblingsfilm „The Itch Scratch Itch Cycle“ (1976, 8 Min.) präsentiert. In diesem Film des mexikanischen Philosophen, Schriftstellers und Regisseurs Manuel De Landa geht es um Eifersucht in all ihren tragikomischen Facetten.

Auf seinen Reisen durch Europa ist eine Serie von Kurzfilmen entstanden, die Samson Kambalu als „Nyau Cinema“ bezeichnet. Jeder dieser Filme dauert nicht länger als eine Minute, basiert auf ortsspezifischen spontanen Performances und spielt im urbanen Raum. Die Beschränkungen und Konventionen des alltäglichen Lebens werden in den Film-Aktionen spielerisch überschritten. Die Werke von Samson Kambalu zeichnen sich durch seine interdisziplinäre Praxis aus. Als Künstler, Filmemacher und Autor schöpft er aus den verschiedensten Bereichen und verbindet unterschiedliche Themen wie die moderne Kunstgeschichte, Stummfilm und südostafrikanische Traditionen. Kambalu studierte Kunst und Musikethnologie in Malawi, hat bereits zwei preisgekrönte Romane – „The Jive Talker” und „Uccello’s Vineyard” – veröffentlicht und ist mit seinen Arbeiten bei internationalen Ausstellungen vertreten, wie beispielsweise der Liverpool Biennial, dem Tokyo International Art Festival und bei „All the World’s Futures“ der Venedig Biennale 2015.

Düstere und verstörende Szenen bilden das Gerüst der Filme der in Toronto geborenen Künstlerin Melanie Gilligan. Gilligans Bildsprache setzt sich aus gefundenem und gedrehtem, aus animiertem und theatralisch inszeniertem Material zusammen. Ihre Arbeit dreht sich um Machtstrukturen, die in Form von technologischer, medizinischer oder politischer Innovationen eingeführt, körperlich eingeübt und manifestiert werden. Ähnlich einer TV-Serie bietet eine zumeist episodenhafte Struktur die Möglichkeit unterschiedlicher Perspektiven sowie deren Fortsetzung und Transformation. Gilligans mehrteilige Filmarbeit „The Common Sense“ (dt.: Der gesunde Menschenverstand, 2014/15) ist ein Science-Fiction-Film, der einen Blick auf das Nachleben der digitalen Netzwerke und der Kommunikation von Menschen wirft, so als ob es sich um eine Horrorfantasie handelte.

Die in New York und London lebende Melanie Gilligan stellte bereits im MoMA PS1, mumok in Wien, in der Chisenhale Gallery und der Tate Modern aus.