„Gegen die Vereindeutigung der Welt”: Quer durch die Berlinale 2024

Der unsichtbare Zoo (Romuald Karmakar)

Knapp drei Stunden nimmt sich der neueste Film von Romuald Karmakar Zeit für das Geschehen im Züricher Zoo. Auftritt von Gorillaweibchen, Blaupunktrochen und Gespenstheuschrecke, von Schneeleopard, Brillenbär und Kanincheneule. Manche Tiere stören sich nicht an der Kamera, andere verändern ihr Verhalten.

Ausschließlich mit Original-Tonaufnahmen ausgestattet, führt „Der unsichtbare Zoo“ in einen Kosmos, der zugleich Teil der modernen Welt wie eine der noch lange nicht abgeschlossenen Entdeckungen für alle beteiligten Spezies ist. Er träume, schreibt der Regisseur im Januar dieses Jahres mit Blick auf seinen eben fertiggestellten Film, „von einer großen, wirklich freien Handelszone der Ambiguität, in der sich die Kunst, mit dem Film als schönes Mittel, gegen die Vereindeutigung der Welt stellt.“

A Different Man (Aaron Schimberg)  

Verstohlen und unsicher schleicht Edward (Sebastian Stan) durch die Gänge seines heruntergekommenen New Yorker Apartment-Komplexes. Wie ein Schatten seiner Selbst schlägt sich der an Neurofibromatose leidende Mann durch seinen Alltag, bis eines Tages ein Doktor Heilung in Aussicht stellt: eine experimentelle Behandlung soll der Erbkrankheit den Garaus machen. Die Behandlung glückt und Edward hat alsbald ein neues Gesicht, legt seinen alten Namen ab und beginnt ein neues Leben. Allein, die psychische Katharsis bleibt dem Protagonisten verwehrt. Die langersehnte Zuneigung von Frauen und der berufliche Erfolg, der sich kurze Zeit später einstellt, täuschen nicht darüber hinweg, dass der Geist sich einfach nicht einfinden mag in den Körper, der doch eigentlich alles bereithält, was er sich immer ersehnt hat.

Regisseur Aaron Schimberg inszeniert die unerbittliche Suche nach der eigenen Identität als gekonnten Ritt durch die verschiedensten Genres – vom Cronenberg‘schen Body-Horror über neurotische New York City-Komödie bis Psycho-Thriller. Am Ende wird Edward zurück auf sich selbst geworfen. Nicht mit einfachen Antworten, sondern nurmehr komplexeren Fragen über die nahezu undurchdringlichen Facetten des eigenen Ichs.

Yeohaengjaui pilyo. A Traveler’s Needs (Hong Sang-soo)

Apropos Blockflöte: Mit Hong Sang-soos „A Traveler’s Needs“ waren es dann schon mindestens zwei Filme, in denen das unscheinbare Instrument einen besonderen Nebenauftritt hat. Ansonsten zeigte der koreanische Regisseur, der seine Low-Budget-Eigenproduktionen mit schöner Regelmäßigkeit etwa jährlich zur Berlinale herausbringt, dass es abermals nicht viel für einen hervorragenden Film braucht: Eine Handvoll Darsteller*innen, ein gutes Drehbuch, das keine übergeordnete Botschaft verfolgt, sondern ganz der filmeigenen Entwicklung traut, eine simple Standkamera (einmal erlaubt sich der Filmemacher, der auch die Kamera übernimmt, einen gewitzten Zoom).

Zwischen Privatwohnungen und Parks folgen wir Iris (Isabelle Huppert), die sich in Korea als Französischlehrerin durchzuschlagen versucht und deren eigensinnige Lehrmethodik dabei vortrefflich mit den kulturellen Gepflogenheiten ihrer Schülerinnen und Schüler kollidiert.

Through the Graves the Wind is Blowing (Travis Wilkerson)

Der Filmemacher stellt sich gleich am Anfang mit Namen, Alter und Gewicht vor. Seit er ins kroatische Split gezogen ist, wollte er eigentlich einen Film über den Zerfall Jugoslawiens machen. Mittlerweile, so Travis Wilkerson, sei er aber mit seiner Familie nach China gezogen – und herausgekommen sei nun eben dieser Film. Benannt ist der nach einer Zeile aus dem antifaschistischen Lied „The Partisan“, das Leonard Cohen weltbekannt gemacht hatte. Und so erzählt Wilkerson aus dem Off die Geschichte des ersten unabhängigen Kroatiens, ein Vasallenstaat von Nazi-Deutschland, dessen faschistische Ustascha-Anhänger*innen in eigenen Konzentrationslagern unzählige Serb*innen, Juden und Jüdinnen sowie Roma ermordete.

Eindringlich schildert Wilkerson das Fortwirken jenes Gedankengutes – bei einem 30-minütigen Spaziergangs in Split zählt er über 200 Hakenkreuze und Ustascha-Symbole – in der heutigen Zeit. Mit einer weiteren, fiktionalen Handlungsebene über einen Detektiv, der Morde an ausländischen Tourist*innen ermittelt, rekurriert der Regisseur derweil auf Filme der jugoslawischen Black Wave-Bewegung, die Ende der 1960er-Jahre mit lakonischem Humor auf gesellschaftliche Schieflagen aufmerksam machten.

Seven Veils (Atom Egoyan)

1996 inszenierte Atom Egoyan seine erste Oper für die Canadian Opera Company. „Salome“ von Richard Strauss hatte den kanadischen Regisseur schon längere Zeit fasziniert. Die Oper basiert auf dem gleichnamigen Ein-Akter von Oscar Wilde, eines der wichtigsten Stücke der anglo-französischen Décadence. Sowohl Theaterstück als auch Oper lösten seinerzeit Skandale aus, sei es aufgrund der Darstellung weiblicher sexueller Begierde oder der modernen, teils stark dissonanten Musik Strauss‘. Egoyan reinszenierte das Werk seit 1996 leicht verändert immer wieder, zuletzt 2023 in Toronto. Damit nicht genug: Zeitgleich zu Proben und Aufführung drehte er den Spielfilm „Seven Veils“, der seinerseits während einer solchen Opernproduktion spielt.

Amanda Seyfried mimt die junge Theaterregisseurin Jeanine, die, in Andenken ihres kürzlich verstorbenen Mentors, dessen erfolgreiche Inszenierung der „Salome“ noch einmal auf die Bühne bringen soll. Schicht um Schicht legt der thematisch überbordende Film die traumatischen Erfahrungen seiner Protagonist*innen frei, setzt Kunstschaffen einerseits als Obsession, andererseits als einzige Möglichkeit einer Form von Therapie ins Bild. Gleichzeitig rückt das Treiben am Theater selbst in den Fokus, dessen Alltag von Machtmissbrauch und Intrigantentum geprägt ist. Geschickt verknüpft Egoyan dabei die Themen der Oper mit denen seines Spielfilms, der trotz seiner unzähligen Sujets formal nie ins Schlingern gerät.

Zugabe

Wie Bildende Künstlerinnen auf Film als Medium zugreifen, belegten in diesem Jahr zahlreiche Kunstfilme der Österreicherin Maria Lassnig – ihr selbst wiederum widmete Anja Salomonowitz das hybride Biopic „Mit einem Tiger schlafen“.

Gegen die Verengung und Verkürzung, die das bewegte Bild und seine Macher*innen komplexen Sachverhalten aufzwängen können, stemmte sich Dimitris Athiridis: Sein Dokumentarfilm „exergue - on documenta 14” arbeitete in nicht weniger als 14 Stunden die Vorgänge und auch Verwerfungen um jene Weltkunstschau auf, die 2017 erstmalig in Kassel und Athen parallel stattfand. Der filmische Essay „Architecton“ von Victor Kossakovsky widmete sich Perspektiven des menschlichen Bauens, das sich immerhin für einen Großteil des Emissionen- und Ressourcenverbrauchs verantwortlich zeigt. Martin Scorsese, der für sein Lebenswerk den goldenen Ehrenbären erhielt, führt in David Hintons „Made in England: The films of Powell and Pressburger” durch die filmische Hinterlassenschaft des fast vergessenen Regie-Duos. Durch die 1940er und 50er-Jahre hindurch kreierten beide zahlreiche Werke, die durch bahnbrechendes Set-Design und vielschichtige Erzählungen beeindruckten.

In unzähligen Ausschnitten aus den thematisch breit gefächerten Filmen sieht man dann auch etwas, was man nicht nur auf der Berlinale immer wieder vermisst: die Lust, durch Bilder eine ganz eigene Welt zu erschaffen, wie es bisweilen nur dem Kino gelingt. Einer der seltsamsten und deshalb vielleicht bemerkenswertesten Spielfilme wäre in diesem Sinne vielleicht noch „Sasquatch Sunset“ von Nathan und David Zellner. Die Vorführung ließ viele einigermaßen ratlos zurück – und kann an dieser Stelle kaum näher ausgeführt werden, ohne zu spoilern. Man muss ihn wohl selbst gesehen haben.