Bald in der SCHIRN:
In a Silent Way Episode 2

Denise Mawilas Werke erzählen vom Verfall der Eleganz. Sie verbindet das Bewusstsein für Form und Schönheit mit einem Gespür für die Fragilität des Augenblicks und verhandelt die Frage, wie alltägliche Erscheinungen die Wahrnehmung prägen. Wie als Ankündigung oder Überbleibsel einer Feier arrangiert Mawila für ihre Arbeit Prise einen spiegelnden Streifenvorhang bewusst an einem öffentlichen „Unort“, neben dem Parkplatz auf der Nordseite der ehemaligen Dondorf Druckerei. Der Witterung ausgesetzt, wird das glänzende Material mit der Zeit von ihr „gezeichnet“. Es befindet sich durch Lichteinwirkung und Wind in ständiger Bewegung und verändert dabei nicht nur sich selbst, sondern beeinflusst den Blick auf die Umgebung. Meist werden solche Vorhänge für temporäre Zwecke eingesetzt, etwa für Bühnenbilder, Partys oder zur Schaufensterdekoration.

Die Arbeit „Prise“ ist die Neuauflage einer über 25 Jahre alten Idee, die den öffentlichen Raum als Ort der Begegnung und der Freude inszeniert – ganz im Sinne der relationalen Ästhetik, die Kunst als sozialen Austausch zwischen Menschen versteht. Ursprünglich entwickelte Mawila die minimalistische Skulptur aus Lametta gemeinsam mit einem Kommilitonen an der HfG Offenbach. Die Verwendung von Ready-mades, von industriell vorgefertigten Alltagsgegenständen, bildet seither eine Konstante im Werk der Künstlerin, die sich für die Neuanordnung von Dingen und ihrer Verhältnisse interessiert.

Nach Einbruch der Dunkelheit bespielt Paul Spengemanns Laserprojektion „spin jump crawl climb dream bite hunt“ die Nordfassade der SCHIRN in Bockenheim und lässt darauf eine ungewöhnliche Gestalt erscheinen, die immer neue Formen annimmt. Aus feinen, weißen Linien bildet sie Spinnennetze, die zu Fratzen werden, oder Schriftzeichen und Worte formen, die größtenteils unverständlich bleiben. Immer wieder reißen die Fäden ab und es beginnt von vorne.

Spengemann nutzt den Laser als ein Werkzeug, um sich Räume zu erschließen und Geschichten zu erzählen. Das spinnenartige Wesen krabbelt, klettert, springt und jagt nicht nur, sondern träumt, äußert Ängste und Sehnsüchte. Mithilfe des Fadens teilt es seine emotionalen Erfahrungen mit dem Publikum und versucht, Kontakt aufzunehmen. Die wiederholt fehlschlagenden Kommunikationsversuche und die ambivalente Tonspur erzeugen eine melancholische Grundstimmung, die manchmal ins Unbehagliche kippt. Zwischendurch ist das englische Wort „gobble“ zu erkennen, was unter anderem „(ver-)schlingen“ bedeutet. Ob das Wesen mit den Trugbildern Beute anlockt, oder selbst auf der Suche nach Gemeinschaft und Halt ist, bleibt offen. Genauso wie die Frage, wie verlässlich sich Gefühle deuten lassen und wie sicher unsere Verbindungen sind.

Welche Spuren hinterlassen wir? Wie verlässlich ist unsere Erinnerung? An mehreren Orten an der Fassade der ehemaligen Dondorf Druckerei sind Ian Waelders Skulpturen in Form einer Nase zu finden. Sie basieren auf einer Tonplastik, die nach der Nase des Vaters des Künstlers, Juan Waelder, geformt wurde, und zeigen die sogenannte Waelder-Nase. Es handelt sich um ein ironisches Selbstporträt, das sich mit der Zeit auflösen wird, denn die mit Vogelfutter bespickten Arbeiten sind der Zerstörung durch Vögel und Witterung ausgesetzt. Als Referenz auf die Skulptur „P.O.TH.A.A.VFB (Portrait of the Artist As Vogelfutter-Büste)“ des Schweizer Künstlers Dieter Roth von 1969 vermitteln sie eine anti-monumentale Geste: Erinnerung wird hier nicht als stabil und unveränderlich aufgefasst, sondern ist jederzeit äußeren Attacken und dem Vergessen ausgesetzt. Waelders Arbeit stellt in Frage, was wir über die Vergangenheit zu wissen glauben.

„Self-Portrait As My Father’s Nose“ konfrontiert das Publikum mit einem historisch aufgeladenen Motiv. Das Stereotyp der „jüdischen Nase“ ist Teil einer antisemitischen Bildsprache. Der Künstler ist der erste aus seiner Familie, der 2017 nach Deutschland zurückgekehrt ist. Sein Großvater Friedrich Wälder floh 1939 aus einem Konzentrationslager in der Umgebung von Stuttgart nach Chile, wo er sich fortan Federico Waelder nannte. Er war der einzige Überlebende seiner Familie. Sein Enkel hat ihn nie getroffen und kennt ihn nur über materielle Spuren, wie die Kassette mit Klaviermusik oder eben die Nase des Vaters. Waelder greift bewusst ein körperliches Merkmal auf, das aufgrund seiner rassistischen Instrumentalisierung meist gemieden wird, und fügt eine persönliche Komponente hinzu. In einer brüchigen, fragilen Formensprache schafft er so künstlerische Reflexionen über Biografie, Erinnerung und Gedächtnis.