Bald in der SCHIRN: Leonor Fini. Magisch Surreal

Die Retrospektive der SCHIRN ist im Wesentlichen thematisch gegliedert und beginnt mit fotografischen Porträts und malerischen Selbstporträts der Künstlerin. Leonor Fini ist eine der am häufigsten fotografierten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, u. a. von ihren Freund*innen Dora Maar, Henri Cartier-Bresson, Brassaï. Kaum eine andere Malerin hat so intensiv ihre eigene Identität befragt, indem sie lebenslang in unterschiedliche Rollen schlüpfte, um Facetten ihrer expressiven Persönlichkeit auszudrücken. Fini bezog sich dabei häufig auf Mythen und lehnte sich motivisch stark an Traditionen der europäischen Kunstgeschichte an. In ihren Werken sind immer wieder Tierwesen zu finden, so in „Autoportrait au hibou“ (Selbstporträt mit Eule, 1936), eines ihrer frühesten Selbstbildnisse, in dem sie sich mit der Eule als Zeichen der Weisheit und der Alchemie darstellt. Mit „Autoportrait au scorpion“ (Selbstporträt mit Skorpion) war Fini 1938 auf der 21. Biennale in Venedig vertreten. Aber auch Mischwesen und insbesondere die Figur der Sphinx als das Alter Ego der Künstlerin stellte sie in zahlreichen Werken dar, beispielsweise in „La Bergère des sphinx“ (Die Hirtin der Sphinxe, 1941) oder auch „Stryges Amaouri“ (1947). Als autonomes weibliches Subjekt verkörpert sie Macht, Erkenntnis und Selbstbestimmung. Wiederholt drehte Fini die Machtverhältnisse um und malte starke Frauen, die über schlafende, nackte Männer wachen oder ihnen den Weg weisen.

In Finis Œuvre erscheinen immer wieder weise Frauen, als Schicksalsweberinnen, Alchemistinnen oder auch als spirituelle Führerinnen oder Seherinnen. Innerhalb der von der Künstlerin entworfenen imaginären Bildwelten nehmen diese Darstellungen eine zentrale Position ein: Als Trägerinnen schöpferischer und transformativer Kräfte scheinen die Frauenfiguren die Zyklen der Natur – und damit auch jene von Leben und Tod – zu lenken. Einige führen geheimnisvolle Rituale aus wie in „Les Fileuses“ (Die Spinnerinnen) oder tragen alchemistische Symbole wie das Ei in „La Gardienne des phénix“ (Die Hüterin der Phönixe), beide aus dem Jahr 1954.

Tod und Vergänglichkeit in Gestalt von Skeletten und Gebeinen, aber auch schlafenden Körpern, sowie Rückgriffe auf die Tradition des Memento mori und des Totentanzes durchziehen zahlreiche Werke Finis. Das androgyne Skelettwesen in „L’Ange de l’anatomie“ (Der Engel der Anatomie, 1949) zeugt von Finis anhaltender Faszination für Anatomie und ist zugleich als elegante Erscheinung mit Umhang und Flügeln im altmeisterlichen Malstil inszeniert. „Sphinx Regina / Sphinx reine“ (Sphinx-Königin, 1943) stellt eine sich zersetzende Sphinx in einer geheimnisvollen, morbiden Landschaft zwischen Zerstörung und Erneuerung dar. Der Tod wird Teil einer persönlichen Mythologie, in der er nicht abschreckend, sondern als faszinierende Metamorphose oder als Freund und mächtiger Verbündeter erscheint.

Den Aspekt des Übergangs, des Uneindeutigen, greift Fini auch in ihren sogenannten mineralischen Bildern auf. Sie entstanden hauptsächlich zwischen 1957 und 1963 unter Anwendung der abstrahierenden experimentellen Technik der Decalcomanie, die ihr durch die Surrealist*innen und vor allem von Max Ernst bekannt war. Kristalline Strukturen und fossile Formationen deuten mineralartige Körper an, die sich auflösende, im Wandel begriffene Anatomien aufweisen und einen Dialog der Elemente sowie der Natur-, Tier- und Pflanzenwelt heraufbeschwören. Zu sehen sind u. a. „Chimère du soir“ (Abendschimäre, 1961) und „La terre écarlate“ (Scharlachrote Erde, 1961).

Der menschliche Körper als Ausdruck von Identität, Erotik und Macht ist ein Motiv, das sich kontinuierlich durch Leonor Finis Schaffen zieht. Ab Ende der 1960er-Jahre entwickelte die Künstlerin Werke in hellerer Farbpalette, mit dramatisch aufgeladenen Bühnenräumen und symbolistischer Ästhetik, die im zentralen Raum der Ausstellung präsentiert werden. In diesen Inszenierungen zwischen Theater und Traum verbindet sie den nackten Körper mit Selbstermächtigung, mythischen Stoffen und verborgenen Aspekten des Unbewussten. Für Fini – ebenso wie für die Surrealist*innen – lieferte die Psychoanalyse des 20. Jahrhunderts fundamentale Impulse. Die Grenzen zwischen Realität, Traum und Fantasie zerfließen und eröffnen neue Spielräume für sexuelle Identitäten und Geschlechterbeziehungen wie in „Phoebus endormi“ (Der schlafende Phoebus, 1967) oder „Train de nuit“ (Nachtzug, 1969). In anderen Darstellungen erhalten Mädchen geheimnisvolle Unterweisungen oder vollziehen sexuelle Übergangsriten wie in „Rasch, Rasch, Rasch, meine Puppen warten“ (1975). In „La Leçon de botanique“ (Die Botanikstunde, 1974) und „Les Carcans“ (Die Angeprangerten, 1984) sind die zentralen Figuren nackt, androgyn, selbstbewusst und imposant, befreit von gesellschaftlichen Normen, die ihre Begleiterinnen noch fesseln und gefangen halten. Fremd und vertraut, historisch und gegenwärtig – auch hier durchzieht Finis grundlegendes Prinzip des Hybriden ihre anspielungsreiche Bildwelt.

Leonor Finis Faszination für Maskerade und Grenzüberschreitung führte sie über die Malerei hinaus zu Theater, Oper, Ballett und Film. Bereits in den 1950er-Jahren und verstärkt in den 1960er-Jahren entwarf sie regelmäßig Masken, Kostüme und Bühnenbilder für verschiedenste Produktionen vorwiegend an Pariser Bühnen, aber auch in Venedig, Rom und Mailand. Zu sehen sind zeichnerische Kostümentwürfe sowie eine Auswahl der aufwendig gestalteten Kostüme für Richard Wagners Oper „Tannhäuser“, die 1963 für das Théâtre National de l’Opéra in Paris entstanden.

Das Interesse für die Bühne, für die Ambivalenz der Gefühle und das psychologisch Abgründige spiegelt sich auch in zahlreichen Referenzen auf literarische und filmische Werke. „Outre Songe“ (Jenseits des Traums, 1978) erinnert an eine Szene aus dem Stummfilm „Gier“ (1924) von Erich von Stroheim. Die Serie der „Aurélia“ bezieht sich auf die Erzählung einer fatalen Liebe des romantischen französischen Dichters Gérard de Nerval (1808–1855) und zeigt geschlechterfluide, nah herangerückte Gesichter, bewegt von starken Emotionen.

Maskerade nutzte Fini zugleich in ihren einzigartigen Selbstinszenierungen, in denen sie künstlerisches Schaffen und eigene Identität verschmelzen ließ. Sowohl im privaten Kreis als auch bei zahlreichen öffentlichen Auftritten erschien sie in eindrucksvollen Kostümierungen mit kostbaren Materialien, leuchtenden Farben, floralen oder ornamentalen Motiven. Die Ausstellung präsentiert verschiedene Masken, darunter „Masque surréaliste“ (Surrealistische Maske, 1958), „Masque de chat brodé“ (Bestickte Katzenmaske, um 1960) und das Hörnerdiadem „Sujet en or“ (Objekt in Gold, 1973). Fini verwandelte sich in die imaginierten Figuren, Tiere und Mischwesen ihrer Gemälde, verkörperte eine Sphinx mit Löwen- oder Katzenmaske, trug Eulen- und Federkostüme, trat als gehörnte Göttin oder schwarzer Engel auf. In diesem schöpferischen performativen Akt demonstrierte sie ihre künstlerische Kraft und lotete die Potenziale ihrer Identität als Künstlerin und Frau immer wieder neu und selbstbewusst aus.