Ein unberührter Naturzustand ist kaum noch existent, die weißen Flecken auf den Landkarten nahezu verschwunden. Zugleich hält die Faszination für das Phänomen „Wildnis“ in der Kunst an. Dieser widmet die SCHIRN eine umfassende Themenausstellung. Über 100 Kunstwerken von 34 internationalen Künstlerinnen und Künstlern – von 1900 bis zur Gegenwart – werden in der Ausstellung gezeigt, u.a. von Henri Rousseau, Tacita Dean, Max Ernst, Gerhard Richter, Georgia O’Keeffe und vielen weiteren bedeutenden Positionen.  Die Suche nach den letzten freien Plätzen, die Expedition als künstlerisches Medium und Visionen einer posthumanen Welt prägen die ausgestellten Werke ebenso wie die Neuverhandlung des Verhältnisses von Mensch und Tier. Gleichzeitig dient Wildnis seit jeher auch als Projektionsfläche für das Andere und das Fremde, für Gegenbilder und Sehnsuchtsfantasien. Der aufwendig gestaltete Katalog beleuchtet die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Phänomen Wildnis aus vielfältiger Perspektive und enthält eindrucksvolle Abbildungen der gezeigten Werke.

TIPP
AUSGEWÄHLTE KÜNSTLERSTATEMENTS, HISTORISCHE UND LITERARISCHE TEXTE KONTEXTUALISIEREN NEBEN DEN ESSAYS DIE WERKE UND GEBEN TIEFGREIFENDE EINBLICKE IN DIE KULTURHISTORISCHE ENTWICKLUNG DES WILDNIS BEGRIFFS.

Populistische Führer, Fake News und totalitäre Propaganda. Die Demokratie scheint in der Krise. Gleichzeitig macht sich eine spürbare Repolitisierung breit. Auch die Künstler erheben nun ihre Stimme und schaffen Werke, die sie als Einspruch am bestehenden System, als Aufruf zum politischen Handeln und als Instrumente der Kritik verstehen. In ihren Videos, Installationen, Fotografien, Skulpturen und Gemälden stellen sie politische Haltun­gen infrage, analysieren Herrschaftsdiskurse und entwerfen einfallsreiche Formen einer neuen Protestkultur. Eine Ausstellung zur politischen Kunst braucht eine Zeitung, in der diese Stimmen laut werden: in den Werken der Künstler, wie auch in ihren Statements und Interviews, die hier zu lesen sind. 

TIPP
Der Zeitung liegt ein Code zugrunde: Hinter der unterschiedlichen Dicke der Striche unter jedem Künstlernamen verbirgt sich die Höhe des Bruttosozialproduktes pro Kopf aus dem Land, in dem die Künstler jeweils geboren wurden.

Ein Schaukasten aus Glas. Dahinter eine Bühne mit volks- oder naturkundlichen Szenerien, bestückt mit verschiedensten Materialien, Tierpräparaten oder gar menschlichen Figuren. So die klassische Assoziation des Dioramas. Und was hat das mit Kunst zu tun? Die Ausstellung in der Schirn Kunsthalle geht dieser Frage erstmals kritisch nach. Sie beginnt noch vor der Entwicklung von Louis Daguerres Schaubühne in der Pariser Oper mit den frühen religiösen Andachtsszenerien aus dem 18. Jahrhundert, sie reflektiert den wissenschaftlichen Einsatz von Dioramen in Naturkundemuseen und reicht bis ins 21. Jahrhundert, zur Dekonstruktion des Dioramas in zeitgenössischen Fotografien, Filmen und Installationen. Die zahlreichen Texte im begleitenden Katalog reichen von minutiösen technischen Anleitungen, über Künstlertexte bis hin zu theoretischen Analysen aus der Kunst- und Kulturgeschichte. Sie spiegeln die Interdisziplinarität dieses besonderen Mediums wider und geben vielschichtige Einblicke in die Kulturgeschichte des Ausstellens, in die Entwicklung des Dioramas als Vorläufer der virtuellen Welt

TIPP. Neben der großen Bandbreite an abgebildeten Dioramen, ist die Diversität der Katalogtexte kaum zu übertreffen: Sie reicht von detaillierten Analysen Carl Akeleys, Urheber der Dioramen im American Museum of Natural History, über einen Brief Anselm Kiefers an den Kurator bis hin zu Donna Haraways berühmten Text zum „Teddybärpatriarchat“

Mit Blind Volumes präsentiert die Schirn eine neue Arbeit der international bekannten Künstlerin Rosa Barba (*1972 in Agrigent, Italien, lebt in Berlin). In der eigens für die Rotunde der SCHIRN konzipierten Installation transferiert Rosa Barba das filmische Prinzip der Montage in eine räumlich-architektonische Dimension. Aus rund 80 identischen Stahlrahmen errichtet sie eine geometrisch verschachtelte Konstruktion, die ebenso an ein Depot oder Archiv wie an die konstruktivistischen Visionen des frühen 20. Jahrhunderts erinnert. Die 12 Meter in die Höhe ragende Struktur wird zur Bühne für eine dynamische Choreografie aus Bild, Licht und Klang. Auf verschiedenen Ebenen hat die Künstlerin eigene filmisch-skulpturale Arbeiten installiert, die sich zu einem performativen Zusammenspiel verbinden.

Joan Miró hatte eine Vorliebe für große Formate und eine Faszination für die Wand. Sie stellt den Ausgangspunkt seiner Malerei dar – als Objekt, das abgebildet wird und das zugleich die physische und haptische Qualität seiner Werke bestimmt. Miró löste sich von einer einfachen Wiedergabe der Wirklichkeit und setzte die Bildfläche mit der Wand gleich. Sein besonderes Verhältnis zur Wand erklärt die Sorgfalt, mit der er seine Materialien und Bildgründe auswählte und vorbereitete. Mit weißgrundierten Leinwänden, roher Jute, Faserplatten, Sandpapier oder Teerpappe ließ der Künstler einmalige Bildwelten von herausragender Materialität entstehen.
Tipp:
In seinem Essay widmet sich Joan Punyet Miró, der Enkel des Künstlers, der künstlerischen Bedeutung der Wand im Gesamtwerk seines Großvaters und verdeutlicht deren besonderen Einfluss auf dessen Malerei.

Die Publikation untersucht die Faszination für Starfotografie und spiegelt ihren Einfluss auf die Bildende Kunst und die Modefotografie wider. Vorgestellt werden „Ikonen“ der Paparazzi-Fotografie, darunter Jackie Kennedy-Onassis beim scheinbar ungezwungenen Spaziergang durch Manhattan, Lady Di auf der Flucht vor dem Blitzlichtgewitter oder die jüngeren „Lieblinge“ der Paparazzi wie Paris Hilton oder Britney Spears. Neben Arbeiten der berühmtesten Vertreter der Paparazzi-Fotografie wie Ron Galella, Pascal Rostain und Bruno Mouron oder Tazio Secchiaroli werden künstlerische Positionen u. a. von Cindy Sherman, Gerhard Richter, Andy Warhol, Barbara Kruger, Paul McCarthy und Richard Avedon vorgestellt, die in kritischer Auseinandersetzung die spezifischen Charakteristika der Paparazzi-Ästhetik ausgelotet und ergründet haben. Erzählt werden Geschichten aus über 50 Jahren Paparazzi-Fotografie. Der Paparazzo wird dabei selbst ins Visier genommen als bewunderte wie gefürchtete Berufsgruppe, die durch das zumeist heimliche Verfolgen und Belauern berühmter Persönlichkeiten ihre Existenz sichert und die Boulevardmedien zu einem der umsatzstärksten Bereiche im Pressesektor gemacht haben – immer auf der Suche und mit dem Ziel, Ungeahntes, vermeintlich Vertrauliches und Privates exklusiv zu veröffentlichen. Die Publikation analysiert die komplexen Beziehungen und Abhängigkeiten, die sich mitunter zwischen Star und Fotograf entwickeln.

Der Montmartre galt aber für viele Jahre als Mikrokosmos für ein künstlerisches Selbstbild, das mit Henry Murgers Roman Scènes de la vie de Bohème (1847–1849) einen zunächst literarischen Ausdruck fand. Er zog aber bald viele Künstlerinnen und Künstler an, die sich – obwohl oft aus großbürgerlichem Elternhaus stammend – bewusst für ein Leben als ärmliche Bohemiens am Rande der Gesellschaft entschieden. Dieses neue Selbstverständnis als freiwillig-unfreiwillige Außenseiter spiegelten sie besonders realistisch und eindrücklich in ihren Kunstwerken wider. Die Publikation nähert sich aus kunstsoziologischer Perspektive der Bohème am Montmartre, berücksichtigt den gesellschaftlichen und historischen Kontext und macht deutlich, wie stark sich Mythos und Legende des Ortes von der eigentlichen Realität unterschieden. ‚Esprit Montmartre‘ zeigt das wahre Leben der Menschen abseits der bekannten Klischees. Berührend, sinnlich und aufrüttelnd sind die Werke der Künstler, die mit ihren Sujets und Bildideen, Materialien und Stilen die künstlerischen Entwicklungen der Moderne wesentlich vorauszeichneten.

Herausragende Werke und Werkgruppen aus der Zeit vom späten 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart demonstrieren die abschließende Zuspitzung oder überraschende Wende eines künstlerischen Lebenswerks. Vorgestellt werden Arbeiten von insgesamt 14 Künstlern, darunter etwa Claude Monet und Henri Matisse, die im hohen Alter ein inzwischen anerkanntes Spätwerk hervorbrachten, oder Martin Kippenberger und Bas Jan Ader, die jung verstorben ein unerwartetes oder nahezu unbekanntes „letztes Bild“ hinterließen.
Künstler: Bas Jan Ader, Stan Brakhage, Giorgio de Chirico, Walker Evans, Alexej von Jawlensky, Georgia O’Keeffe, Martin Kippenberger, Willem de Kooning, Édouard Manet, Henri Matisse, Claude Monet, Francis Picabia, Ad Reinhardt und Andy Warhol 

Die Publikation gibt einen Überblick über das Werk von Yoko Ono und beleuchtet in mehreren Essays die zentralen Themenbereiche ihres Gesamtkonzepts, insbesondere Film, Musik und Intermedia. Onos Werk ist geprägt von Dualismen, der Beschäftigung mit den Elementen und mit Grundsatzfragen des menschlichen Seins. Zahlreiche Arbeiten kreisen um Licht und Schatten, Wasser und Feuer sowie Luft und Himmel. Auch das Zerstören und das Heilen sowie die Balance spielen eine wichtige Rolle in ihrem Konzept. Vorgestellt wird der vielfältige Kosmos der außerordentlichen Künstlerin, die als Wegbereiterin der frühen Konzept-, Film- und Performancekunst, aber auch als zentrale Gestalt der Musik, der Friedensbewegung und des Feminismus gilt und bis heute eine bedeutende Position im aktuellen Kunstgeschehen einnimmt. Rund 200 Objekte, Filme, raumfüllende Installationen, Fotos, Zeichnungen und Textarbeiten sowie ein eigener Musikraum beleuchten die mediale Vielfalt in Onos Werk sowie die zentralen Themen ihres OEuvres. Besondere Aufmerksamkeit liegt auf Yoko Onos Arbeiten aus den 1960er- und 1970er-Jahren.

Anhand von Installationen der späten 1960er-Jahre bis hin zu jüngsten künstlerischen Positionen demonstriert die Publikation das spezifisch brasiliansiche Moment einer „Kunst der Erfahrung“. Das Buch vereint heute als klassisch geltende Positionen von Hélio Oiticica und Neville D’Almeida, Lygia Clark, Tunga sowie Cildo Meireles mit Arbeiten der jüngeren Generation von Ernesto Neto, Maria Nepomuceno, Henrique Oliveira sowie Dias & Riedweg und schreibt somit die Geschichte der künstlerischen Installation Brasiliens bis in die Gegenwart fort.

Nach dem Erfolg des Projektes (PLAYING THE CITY 1 und 2, 2009 und 2010) kommt nun der 3. und letzte Teil dieses Ausstellungsformats, das erneut zahlreichen Künstlern die Möglichkeit geboten hat, den öffentlichen Raum der Stadt Frankfurt mit Aktionen, Performances und Installationen zu beleben, an denen die Passanten aktiv und kreativ teilnehmen konnten.
Mit: Upper Bleistein, Tania Bruguera, Il-Jin Atem Coi feat. Becker Schmitz und Holger Kurt Jäger, Minerva Cuevas, Jacob Dahlgren, Tim Etchells, Sans Facon, Christian Jankowski, Silke Eva Kästner, san Keller, Levent Kunt, Aleksandra Mir, Eileen Perrier, Kommando Agnes Richter