Uralte Wälder in entlegenen Regionen, majestätische Ansichten der Arktis, die Magie der Nordlichter: Die umfassende Ausstellung in der SCHIRN präsentiert die Male­rei der kana­di­schen Moderne und zeigt die in Kanada überaus populären Werke der Künstlerinnen und Künstler rund um die Group of Seven aus aktueller Perspektive. Diese Gemälde und Skizzen verkörpern den Traum einer „neuen“ Welt und zeichnen ein Idyll der überwältigenden Landschaft jenseits der Realität der Indigenen Bevölkerung und des modernen Stadtlebens sowie der expandierenden industriellen Nutzung der Natur. Die Werke werden einer kriti­schen Revi­sion unter­zo­gen, indem Indi­gene Perspek­ti­ven einbe­zo­gen und Fragen der natio­na­len Iden­ti­täts­bil­dung aufge­wor­fen werden. Die Publikation bildet nicht nur die malerischen Landschaften in großformatigen Bildern ab – mit einer großen Bandbreite an Texten, Interviews und Blickwechseln wird ebenso die Mythenbildung und notwendige Neubefragung der (Kunst)Geschichte im Zuge der Dekolonialisierung diskutiert.

TIPP In Themenkomplexe gebündelt und reich bebildert folgt der Katalog in seinem Aufbau dem der Ausstellung in der SCHIRN ­– ergänzt durch die multiperspektivische Vielfalt der Textbeiträge und Interviews. So kann die Ausstellung ganz einfach mit nach Hause genommen werden.

Wie kein anderer Künstler seiner Zeit hat sich Richard Jackson der radikalen Erweiterung der Malerei verschrieben. Die Schirn präsentiert erstmals in einer Ausstellung fünf seiner insgesamt zwölf einnehmenden Rauminstallationen. In den Rooms werden comicartige Figuren, Tiere oder Gegenstände zu Akteuren eines einmaligen Prozesses: Luftkompressoren und Pumpen lassen satte Farbe durch Schläuche und Trichter, durch Ohren, Münder und andere Körperöffnungen fließen, um sie jeweils auf Boden, Wänden, Einrichtung und Figuren zu verteilen. Die Publikation nimmt Jacksons malerischen Prozess auf und führt die Leser durch die Räume mit immer wechselnden Perspektiven und leuchtenden Farbwechseln. Essays von Schriftsteller Chris Kidd, Kunsthistoriker Christian Janecke und dem Kurator Matthias Ulrich kontextualisieren die Werke des kalifornischen Künstlers und stellen wichtige Zusammenhänge zur Kunst, Politik und Geschichte her.

TIPP Mit den ausführlichen Werktexten zu den einzelnen Rauminstallationen und der umfassenden fotografischen Dokumentation lassen sich immer neue Details und Bezüge zur Kunstgeschichte und dem aktuellen Zeitgeschehen entdecken.

Mit ihren monumentalen Wandteppichen schuf die norwegisch-schwedische Künstlerin Hannah Ryggen ein eindrucksvolles, politisch motiviertes Werk. Von einem klei­nen autar­ken Bauern­hof an der West­küste Norwe­gens aus lancierte sie bildliche Angriffe auf Hitler, Franco und Mussolini und setzte sich damit für die Opfer von Faschismus und Nationalsozialismus ein. Erstmals in Deutschland stellt die Schirn mit rund 25 Tapisserien das umfangreiche Œuvre der Künstlerin vor. Die Publikation gibt Einblick in das eindringliche und kraftvolle Werk Ryggens, das in einer Gegen­wart, die von zuneh­men­der Ungleich­heit, Natio­na­lis­mus und Popu­lis­mus geprägt ist, von erschüt­tern­der Aktua­li­tät zeugt. Die Textbeiträge von Marit Paasche und Marie Luise Knott geben vielseitige Einblicke in Hannah Ryggens bewegtes Leben und ihr eindrucksvolles Werk. Ein exklusives Interview von Esther Schlicht mit dem Künstler Ingar Dragset zeigt, wie Ryggen heute eine wichtige Vorbildfunktion innehat.

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Eine umfangreiche Chronologie und Biografie taucht tief in die Welt Hannah Ryggens ein und erzählt von ganz persönlichen Erlebnissen einer Künstlerin, die sich und ihre Familie zeitlebens selbst versorgte, wie auch von den einschneidenden Ereignissen der Weltpolitik, die sie konsequent und mit klarer Bildsprache kommentierte.

Zeitgenössische Musik hat ihren eigenen Sound. Und zwar buchstäblich: Musik­in­stru­mente, die gleich­sam Skulp­tu­ren sind, stehen für eine noch rela­tiv unbe­kannte, junge Entwick­lung in der Gegen­warts­kunst. In einer inter­na­tio­nal besetz­ten Grup­pen­aus­stel­lung zeigt die SCHIRN künst­le­ri­sche Arbei­ten, denen gleich­zei­tig die Funk­tion von Musik­in­stru­men­ten inne­wohnt. Das Spiel auf den skulp­tu­ra­len Werken bildet den Mittel­punkt der in stän­di­ger Verän­de­rung begrif­fe­nen Ausstel­lung. Während der Lauf­zeit wird die SCHIRN tempo­rär zu einem Konzert­saal, in dem die Arbei­ten akti­viert und zum Klin­gen gebracht werden. Auch die Publikation zur Ausstellung hat ihren eigenen Sound. Beiträge von Irene Noy, Marion Saxer, Matthias Ulrich und Salomé Voegelin geben einen außergewöhnlichen und differenzierten Einblick in die Welt des Sound: Zeitgenössische Kunst klingt nach sozialem Austausch, wenn andere Formen von Sprache versagen, nach neuen Formen der Kontaktaufnahme, und nach Fragen zur Identität und dem politischen Potential von Kunst.

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Musikinstrumente, die auch Kunstwerke sind – warum also nicht ein Katalog, der aussieht wie eine Schallplattenhülle? Mit ihrem besonderen Format passt diese außergewöhnliche Publikation in jedes Bücherregal und in jede Plattensammlung.

Ein unberührter Naturzustand ist kaum noch existent, die weißen Flecken auf den Landkarten nahezu verschwunden. Zugleich hält die Faszination für das Phänomen „Wildnis“ in der Kunst an. Dieser widmet die SCHIRN eine umfassende Themenausstellung. Über 100 Kunstwerken von 34 internationalen Künstlerinnen und Künstlern – von 1900 bis zur Gegenwart – werden in der Ausstellung gezeigt, u.a. von Henri Rousseau, Tacita Dean, Max Ernst, Gerhard Richter, Georgia O’Keeffe und vielen weiteren bedeutenden Positionen.  Die Suche nach den letzten freien Plätzen, die Expedition als künstlerisches Medium und Visionen einer posthumanen Welt prägen die ausgestellten Werke ebenso wie die Neuverhandlung des Verhältnisses von Mensch und Tier. Gleichzeitig dient Wildnis seit jeher auch als Projektionsfläche für das Andere und das Fremde, für Gegenbilder und Sehnsuchtsfantasien. Der aufwendig gestaltete Katalog beleuchtet die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Phänomen Wildnis aus vielfältiger Perspektive und enthält eindrucksvolle Abbildungen der gezeigten Werke.

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Ausgewählte Künstlerstatements, historische und literarische Texte kontextualisieren neben den Essays die Werke und geben tiefgreifende Einblick in die Kulturhistorische Entwicklung des Wildnis Begriffs. 

Mit Blind Volumes präsentiert die Schirn eine neue Arbeit der international bekannten Künstlerin Rosa Barba (*1972 in Agrigent, Italien, lebt in Berlin). In der eigens für die Rotunde der SCHIRN konzipierten Installation transferiert Rosa Barba das filmische Prinzip der Montage in eine räumlich-architektonische Dimension. Aus rund 80 identischen Stahlrahmen errichtet sie eine geometrisch verschachtelte Konstruktion, die ebenso an ein Depot oder Archiv wie an die konstruktivistischen Visionen des frühen 20. Jahrhunderts erinnert. Die 12 Meter in die Höhe ragende Struktur wird zur Bühne für eine dynamische Choreografie aus Bild, Licht und Klang. Auf verschiedenen Ebenen hat die Künstlerin eigene filmisch-skulpturale Arbeiten installiert, die sich zu einem performativen Zusammenspiel verbinden.

Joan Miró hatte eine Vorliebe für große Formate und eine Faszination für die Wand. Sie stellt den Ausgangspunkt seiner Malerei dar – als Objekt, das abgebildet wird und das zugleich die physische und haptische Qualität seiner Werke bestimmt. Miró löste sich von einer einfachen Wiedergabe der Wirklichkeit und setzte die Bildfläche mit der Wand gleich. Sein besonderes Verhältnis zur Wand erklärt die Sorgfalt, mit der er seine Materialien und Bildgründe auswählte und vorbereitete. Mit weißgrundierten Leinwänden, roher Jute, Faserplatten, Sandpapier oder Teerpappe ließ der Künstler einmalige Bildwelten von herausragender Materialität entstehen.
Tipp:
In seinem Essay widmet sich Joan Punyet Miró, der Enkel des Künstlers, der künstlerischen Bedeutung der Wand im Gesamtwerk seines Großvaters und verdeutlicht deren besonderen Einfluss auf dessen Malerei.

Die Publikation untersucht die Faszination für Starfotografie und spiegelt ihren Einfluss auf die Bildende Kunst und die Modefotografie wider. Vorgestellt werden „Ikonen“ der Paparazzi-Fotografie, darunter Jackie Kennedy-Onassis beim scheinbar ungezwungenen Spaziergang durch Manhattan, Lady Di auf der Flucht vor dem Blitzlichtgewitter oder die jüngeren „Lieblinge“ der Paparazzi wie Paris Hilton oder Britney Spears. Neben Arbeiten der berühmtesten Vertreter der Paparazzi-Fotografie wie Ron Galella, Pascal Rostain und Bruno Mouron oder Tazio Secchiaroli werden künstlerische Positionen u. a. von Cindy Sherman, Gerhard Richter, Andy Warhol, Barbara Kruger, Paul McCarthy und Richard Avedon vorgestellt, die in kritischer Auseinandersetzung die spezifischen Charakteristika der Paparazzi-Ästhetik ausgelotet und ergründet haben. Erzählt werden Geschichten aus über 50 Jahren Paparazzi-Fotografie. Der Paparazzo wird dabei selbst ins Visier genommen als bewunderte wie gefürchtete Berufsgruppe, die durch das zumeist heimliche Verfolgen und Belauern berühmter Persönlichkeiten ihre Existenz sichert und die Boulevardmedien zu einem der umsatzstärksten Bereiche im Pressesektor gemacht haben – immer auf der Suche und mit dem Ziel, Ungeahntes, vermeintlich Vertrauliches und Privates exklusiv zu veröffentlichen. Die Publikation analysiert die komplexen Beziehungen und Abhängigkeiten, die sich mitunter zwischen Star und Fotograf entwickeln.