Aufhellung der Farbpalette und Anspielungen an die Ästhetik des Symbolismus – Ende der 1960er-Jahre entwickelt Leonor Fini eine unerwartete ästhetische Komponente und zeigt eine neue Seite in ihrem Schaffen. Dabei verbindet sie den nackten Körper mit Selbstermächtigung.

Der menschliche Körper als Ausdruck von Identität, Erotik und Macht ist ein Motiv, das sich kontinuierlich durch Leonor Finis Schaffen zieht. In der Art, wie sie die Körper inszeniert, ist die Künstlerin jedoch sehr wandelbar. Die Hauptfigur in „Die Angeprangerten“, eine nackte Frau, ist ohne ihre Kleidung nicht verletzlich, sondern erscheint mächtig und selbstbewusst. Während ihre zwei bekleideten Geschlechtsgenossinnen wie an einem Pranger stehen und in unterwürfigen Posen verharren, hat sie sich ihrer Fesseln entledigt. In der „Botanikstunde“ dominiert die nackte Figur das Geschehen, sie erscheint als Wissende und gibt ihre Kenntnisse an die deutlich schmächtigere und gefangen erscheinende Person rechts weiter.

Neben der für Fini typischen erotischen Komponente zeugt das Gemälde von ihrem breiten literarischen Wissen und ihrer umfassenden geisteswissenschaftlichen Bildung. Ganz im Sinne der Surrealisten verweist sie hier auf die Psychoanalyse Sigmund Freuds und Carl Gustav Jungs: Während der Narziss-Mythos Freud als literarische Folie diente, um die Selbstliebe als bedeutende Phase der menschlichen Entwicklung zu etablieren, sah Jung im Spiegelbild dagegen ein Symbol für die unbewusste Psyche, bei der das Verlieben in das eigene Bild die Gefahr des Verschlingens durch das unbewusste Selbst darstellt.

Zwei junge Frauen träumen erschöpft in einem Nachtzug. Ihre leichte Kleidung lässt an eine schwüle Sommernacht denken. Die zarten, opulenten Formen dieser Szene und die Kleidung der Frauen erinnern an Art-déco-Motive der 1920er-Jahre.

Eine Reihe von Finis Gemälden zeigt scheinbar intime Bühnenräume, die Verborgenes sichtbar machen. Finis Faszination für Maskeraden führt sie über die Malerei hinaus zu Theater, Oper, Ballett und Film. Sie entwickelt theatralisch geprägte Bildwelten, greift filmische Impulse auf und entwirft Masken und Kostüme.

Paris bleibt über sechs Jahrzehnte hinweg, von ihrer Ankunft 1931 bis zu ihrem Tod 1996, Leonor Finis Lebensmittelpunkt. In Paris geht Fini oft ins Kino, zu Premieren auf den Champs-Élysées, zu Klassikern in der Cinémathèque und in winzige, auf der Rive Gauche versteckte Kinos. Dank ihrer Filmleidenschaft und ihres guten Gedächtnisses kennt sie die Namen und Filmografien zahlreicher Schauspieler*innen auswendig. Erinnerungen an bestimmte Szenen und Kameraeinstellungen überführt sie bisweilen in ihre Gemälde.
So erinnern die Silhouetten hinter einem Vorhang in „Jenseits des Traums“ an eine Szene aus dem Stummfilm „Gier“ (1924) von Erich von Stroheim, einem österreichisch-amerikanischen Filmregisseur, Drehbuchautor und Schauspieler. Stroheim arbeitet mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten. In einzelnen Szenen erscheinen Figuren nur als dunkle Konturen, während andere Bildbereiche vom Licht hervorgehoben werden. Diese Bildsprache greift Fini ebenfalls auf.

Ihre gesamte Karriere hindurch fasziniert Fini das Spiel der Maskerade. Der Dialog zwischen Verhüllen und Enthüllen bleibt ein zentrales Merkmal ihres Schaffens in unterschiedlichen Medien – von Malerei und Zeichnung über Bühnenbilder und Buchillustrationen bis hin zu ihrer Tätigkeit als Masken- und Kostümbildnerin. Durch ihre kostümierten Auftritte ermächtigt sie sich, unterschiedliche Rollen anzunehmen und sich selbst immer wieder neu zu inszenieren. In Paris kann Fini ihrer Leidenschaft für das Tragen von Masken und Kostümen bei opulenten Banketten und zahlreichen Kostümbällen nachgehen. So etabliert sie sich als geheimnisvolle und extravagante Ikone und erhält zahlreiche Aufträge für die Gestaltung von Bühnenbildern und Kostümen. Die Maske wird dabei zu einem wichtigen Ausdruck ihrer (künstlerischen) Identität.

Bereits in den 1950er-Jahren und verstärkt in den 1960er-Jahren entwirft Leonor Fini regelmäßig Kostüme und Bühnenbilder für verschiedenste Produktionen vorwiegend an Pariser Bühnen, aber auch in Venedig, Rom und Mailand. Zu ihren bedeutenden Arbeiten zählt die Ausstattung einer Inszenierung von Richard Wagners „Tannhäuser“ am Théâtre National de l’Opéra in Paris, für die sie 1963 eine Reihe aufwendig gestalteter Kostüme entwarf.